Bowie es un ejemplo fascinante del poder de la formación de juventud en el gusto musical que perdura de por vida, dice la doctora, pues aquellos que crecieron en los setenta conectan con los personajes de Ziggy Stardust, Aladdin Sane y The Thin White Duke, mientras que los adolescentes de los años ochenta tiran más a la era del Let’s Dance. La desconexión entre ambas generaciones es total, más allá del hecho de que compartan al mismo artista.
«Lo más destacado de Bowie es que siempre iba un paso por delante. Nada de lo que hoy se dice de él le habría pillado por sorpresa al bueno de David. Él siempre avizor. Nunca desconectado. Era absolutamente icónico —de la misma manera que Lennon—. Si siguió avanzando es porque asumió riesgos.
Lo maravilloso de David es que nunca aspiró a ser Bob Dylan, ni ningún otro, explica Hancock.
«Se dio cuenta, ya desde una edad muy temprana, que lo único a lo que se debe aspirar es a ser uno mismo. Sabía que esforzarse por ser otro, tratar de escalar la torre capitalista y hacerse rico y famoso porque sí no era la respuesta.
10 de enero de 2016: en el día de hoy, David Bowie ha fallecido en paz, rodeado de sus familiares, tras una valiente batalla contra el cáncer que se prolongó durante dieciocho meses. Si bien sabemos que muchos de vosotros compartís el dolor por su pérdida, os pedimos que respetéis la intimidad de la familia durante el presente periodo de duelo.
Esto comenzó con una promesa. Una biografía de este tipo requiere mucha investigación, y a Jones le va bien con las perspectivas de sus amigos y colaboradores, pero la historia tiene grandes lagunas y no es por falta de espacio, que ella usa con demasiada frecuencia para centrarse en sus conocidos ocasionales con David Bowie a lo largo de los años. Es incómodo y resta valor a los aspectos valiosos del conjunto. El lugar del autor en la historia debe estar estacionado en el prólogo. No es un libro terrible de ninguna manera, solo una oportunidad perdida.
Generalmente bueno, pero no me gustó lo adulador que se pone el autor incluso cuando habla de los momentos más oscuros, explotadores, destructivos o autodestructivos de Bowie. No me gustó que ella esté tratando de establecerlo como un ícono gay solo porque él dice ser gay como una moda pasajera, lo cual no es exactamente respetuoso, o está tratando de poner excusas porque él es un «genio» cuando abusa de su esposa debido a las drogas o cuando despide a la gente por capricho. También me disgustó lo mucho que se desvía hacia su propia vida, incluso cuando no se relaciona.
Vimos a David Bowie interpretar «Starman» en Top of the Pops el 6 de julio de 1972, ¡cómo no!… Sin embargo, no se puede decir que nos cautivara especialmente. Aunque es un lugar común considerar aquella aparición en concreto como su actuación definitiva, un punto de inflexión para la música pop, el momento exacto en que el mundo entero cambió…, en nosotros, la verdad, el impacto no fue tan grande. Se debió a que aquella actuación de «Starman» para Top of the Pops, con Bowie y su guitarrista, Mick Ronson, acercándose el uno al otro tan solo cinco años después de que se despenalizase la homosexualidad entre varones mayores de veintiún años, algo sobre lo que se habían escrito volúmenes y más volúmenes, no era «la primera».
David era nuestra epifanía. Las personas como él no existían en el mundo cuadriculado, rígido, en donde cada cosa está colocada donde corresponde. De haberse descubierto que en efecto procedía de un universo paralelo, dudo de que mi sorpresa hubiera sido mayor. Él tenía veintitrés años, aún era un chaval, y ya se había casado. Mortal, con defectos, un enclenque buscavidas, y pese a ello aparentemente con un embrujo especial. Era bastante amigable. Un tanto indiferente. Le gustaba el postureo y fardar. Digamos que su actitud venía a decir algo así como: «Mírame». Se cruzaba de brazos y cotilleaba entre risas, metiendo y sacando los labios una y otra vez como si acabara de ponerse pintalabios. Se arrancaba las cutículas, se alisaba el pelo, pestañeaba, doblaba las rodillas. Tal vez estuviera posando al igual que cualquiera de nosotros, a semejanza de una torpe quinceañera. Poniéndonos a prueba, viendo qué extravagancias birlarnos.
Parecía ligeramente «apagado»; un «ave del paraíso con un ala rota»…
Tras la antológica entrevista del escritor musical Michael Watts, publicada en Melody Maker el 22 de enero de 1972, en la que nuestro héroe tiró la casa por la ventana al «confesar»: «Soy gay y siempre lo he sido, incluso cuando era David Jones», Bowie se convirtió en un blanco fácil. Era exactamente lo que deseaba y lo que había provocado. En los medios, lo que se llevaba era exagerar todo lo relacionado con él hasta más allá de la duda razonable. Retratarlo como un pirado por el sexo y un drogodependiente muy pasado. Poner palabras nunca dichas (y a veces indecibles) en su boca. Lo que fuera, todo valía. Se convirtió en una superestrella y se quedó prendado de sí mismo, al igual que pasó con la mitad de la población mundial.
Millones de personas lo adoraban. La mayoría nunca llegó a tenerlo cerca. Haber vivido el fenómeno Bowie de primera mano y de un modo tan personal todavía tiene un aura de irreal. Siempre me preguntaré por aquellas horas pasadas en Londres, París, Montreux, Birmingham, Róterdam y Nueva York junto a aquella alma perdida, atormentada, serena e instintiva. Él daba bandazos como los damos todos. Pero abrió caminos nunca andados en tanto que fue capaz de destilar la esencia de la vida y los misterios del universo. Su habilidad para expresarlo no tenía parangón, y logró cambiarnos a todos.
David nunca reveló ningún mal recuerdo sobre su breve paso por la escuela de primaria de Stockwell. La razón para su marcha tan solo un año más tarde fue el descontento de su madre. Una «escuelucha» mal financiada en una zona deprimida distaba bastante de lo que ella quería para su tercer hijo, el chico en el cual había depositado sus esperanzas a costa de casi todo lo demás. Peggy acariciaba el sueño de regresar a su amado Garden of England, es decir, al condado de Kent que la había visto nacer, donde podrían reinventarse como una respetable familia de clase media y en donde David tendría libertad para crecer y desarrollarse en una pequeña y hermosa escuela de pueblo. Aunque su marido nunca expresó ningún anhelo de volver a su Yorkshire natal, se decía que prefería con mucho el ajetreo de Brixton y su proximidad a la capital.
David descubrió el saxofón. Más tarde afirmaría haber sido inspirado de muchas maneras por la banda de apoyo de Little Richard, una serie de oscuros músicos estadounidenses, y por poetas de la generación Beat y autores como Kerouac. Fuera quien fuese o lo que fuese que espoleó su interés, el caso es que su padre se mantenía alerta. Y así, el día de Navidad amaneció con un saxo acrílico de color blanco y marca Grafton, de relucientes teclas doradas, bajo el árbol. Era para David.
¿Qué motivó que David prefiriera el saxofón a la guitarra o, por ejemplo, al piano?
«Es el instrumento más fácil de tocar», explica el reconocido músico y orquestador John Altman, un experto en la materia tras haber tocado con todos: desde Little Richard, Jimi Hendrix, Bob Marley y Eric Clapton a Tina Turner, Rod Stewart o Fleetwood Mac. Y también, en dos ocasiones, con Bowie.
«Es uno de los pocos instrumentos con los que es posible adquirir una destreza razonablemente buena en muy poco tiempo. A pesar de los distintos tonos y timbres, todos los saxos se pulsan igual. No sucede lo mismo con la trompeta, que solo tiene tres pistones; o con el trombón, para el cual uno debe mover el brazo; o con el violín, que implica un alto grado de conjetura e interpretación. El saxofón, por el contrario, no presenta mayores complicaciones. Te llevas la boquilla a la boca y soplas. Luego mueves los dedos y van sonando las diferentes notas.
David estaba obsesionado con su carrera. Sería capaz de hacer, literalmente, cualquier cosa para obtener lo que quería. En ese sentido, diría que era implacable. Tenía un gran atractivo, tanto para hombres como para mujeres, y lo sabía. No jugaría abiertamente con el tema de la bisexualidad hasta los días de MainMan. Se miraba mucho al espejo —mucho más que yo—. Prestaba sumo cuidado a su aspecto y a la impresión que podía dar.
»No recuerdo ni pizca de fealdad, sordidez o decadencia. Era lo que era.
Pese al éxito de «Space Oddity», pasarían más de dos años antes de que David lograse otro hit en el Reino Unido. «The Prettiest Star» y «London Bye Ta Ta», grabados en enero de 1970, aspiraban a tomar el relevo. El líder de T. Rex era el guitarrista del primero de esos dos temas, que fue elegido para ser lanzado al mercado el 6 de marzo de 1970 con la idea de que fuera un éxito seguro (tres años más tarde volverían sobre él para el disco Aladdin Sane, en esa ocasión sin Marc). Por otro lado, el reinado grandioso aunque fugaz de Bolan todavía no había dado comienzo. El primer éxito de su rival, «Ride a White Swan», no saldría a la venta hasta octubre de aquel año, y hasta once semanas después no lograría auparse hasta el segundo puesto de las listas, el 23 de enero de 1971. Del material restante que habrían de grabar juntos, «The Prettiest Star» fue el único tema Bolan-Bowie que saldría al mercado. Fue el fotógrafo Mick Rock, ahora mundialmente famoso por sus trabajos con Bowie, Syd Barrett, Queen y otros, quien describió a Bolan como «el Juan Bautista del mesías Bowie». Era bueno, pero la cosa era algo más complicada que eso.
La obra de George Orwell sirvió de base para el álbum conceptual de 1974 titulado Diamond Dogs. El posapocalíptico trabajo había sido ideado como adaptación de teatro musical de la novela 1984, pero la viuda de Orwell, Sonia Brownell, rechazó concederle los derechos a David. El encarnizado y caótico disco de protopunk tiene un toque heavy a lo Rolling Stones. La pista «Sweet Thing» supone el primer intento de David de realizar lo que con frecuencia se ha dado en llamar «la técnica cut-up de William S. Burroughs». La puesta en práctica, que David describió como «una especie de tarot occidental», y de la que se valió durante un cuarto de siglo, tanto a modo de herramienta de composición como en calidad de fuente de inspiración, se retrotrae, de hecho, hasta los dadaístas de los años veinte.
Puede que Ziggy Stardust convirtiera a David en una estrella, pero el resultado se demostraría frankensteiniano. Tras eclipsar a su creador una vez que fue perfilado por completo, Ziggy se comió a Bowie y pudo llegar a destruirlo de no haberse decidido David a darle muerte, justo después de hacer lo propio con sus arácnidos, los Spiders. Los más cercanos son, invariablemente, los últimos en darse cuenta.
Hacia 1973, Bowie se sabía de oro. El estrellato que había pretendido de la noche a la mañana y que se había demorado diez años, ya estaba ahí; David, ahora, les había dado a todos de lo suyo: era una superestrella a ambos lados del Atlántico, venerada como ídolo entre los y las adolescentes, reverenciada como estrella del rock, un tipo deseado como sex symbol bisexual, aclamado en su condición filosófica de luz que guía el camino. Su pose de «Ziggy como mesías» discurría según lo afirmado por John Lennon en 1966: «Ahora somos más populares que Jesucristo. No sé qué va primero, si el rock and roll o el cristianismo».
La estancia de David en Alemania es otra etapa de su complicada vida que se ha visto afectada por la distorsión de la mitología. De hecho, no fue durante tres años al Muro para crear la llamada «Trilogía de Berlín», como han pasado a conocerse los discos Low, Heroes y Lodger. El primero de estos tres álbumes se grabó parcialmente en Francia, en el Château d’Hérouville, en cumplimiento de una cláusula contractual. David grabó mano a mano con Iggy Pop en el palacete el último disco, The Idiot, en marzo de 1976, y las sesiones para Low dieron comienzo en agosto. El disco acabó de confeccionarse en los estudios Hansa de Berlín. Carlos Alomar se unió al equipo, al igual que Brian Eno.3 Con independencia de cómo y dónde acabaran el David profesional y el David privado, lo cierto es que sus años afincado en Berlín tenían mucho de simbólico.
«Me asomé al calamitoso abismo del consumo de drogas demasiadas veces, algo esencial en cuanto me hizo reaccionar», contó David para Uncut. «Durante muchos años, Berlín me había atraído por su cariz de último refugio. Era una de las pocas ciudades en las que podía moverme de forma totalmente anónima. Andaba muy mal de dinero; la vida allí era barata. Por algún motivo, a los berlineses simplemente les traía sin cuidado. Bueno, al menos así era en el caso de un cantante inglés de música rock.»
El decimotercer álbum de estudio de David, que se acabaría de componer en The Record Plant, en Nueva York, compaginaba la temática viajera con cuestiones como la civilización, la guerra nuclear y las relaciones abusivas en una provocadora y estimulante fusión de músicas del mundo. Contenía el éxito «Boys Keep Swinging», para el cual el guitarrista Alomar se puso a la batería y en el que Visconti y Brian Eno aparecen acreditados como músicos. Tampoco es que causara sensación en el momento de su lanzamiento, en mayo de 1979 (no todo iban a ser éxitos para David), pero con el tiempo fue ganando adeptos. Hoy es un tema muy querido, y con razón, pues supone un ejemplo de su creciente madurez al tiempo que muestra al Bowie más taimado.
La gira se trasladó Down Under [a abajo del todo], a Australia y Nueva Zelanda, para ofrecer allí su primer concierto. En Sidney, David por fin aprendió a nadar. Se dirigió hacia el este para regresar triunfante a Japón y cerrar en la sala de conciertos NHK de Tokio el 12 de diciembre. Ziggy resucitó en todo su esplendor. Resurgió como el ave fénix. Japón seguía siendo garantía de éxito.
Persiste la sensación de que a partir de entonces todo fue cuesta abajo para Bowie. Sus grandes temas clásicos, las canciones que a todos nos gustan y todos queremos, quedaban atrás. Habría aún un puñado de nuevos álbumes por salir, tres de los cuales alcanzarían el número uno: Black Tie White Noise (1993), The Next Day (2013) y el regalo de despedida de David, Blackstar (2016); un vídeo contoneándose junto a Jagger en el que sonaba su exitazo y número uno «Dancing in the Street»; un momento estelar en el concierto Live Aid…
Por muy decepcionados que pudieran sentirse sus fans, esta era una versión fresca, limpia, asentada, serena y renacida del Bowie de los noventa. ¿Estaría su música a la altura? Para empezar, sí. El conocido como «álbum de boda», Black Tie White Noise, fue producido por Nile Rodgers y creado en los estudios Mountain. Apareció bajo un nuevo sello discográfico, Savage, y debutó en el número uno. Tanto el disco como la compañía tuvieron una vida efímera. Respecto a esa serie de canciones, cundía la sensación de que eran como un tablero de corcho demasiado lleno; demasiadas imágenes, insuficientes chinchetas, un exceso de temas, reflexiones e influencias. Contenía las canciones para el malogrado Terry, en concreto la deslumbrante «Jump They Say». He ahí una nueva dosis de nostalgia, una mirada atrás, a un tiempo en que todavía podía esperarlo todo.
David había dejado las drogas duras, el tabaco y el alcohol —los días en que dejó todo habían sido los mejores de su vida, dijo, después de conocer a Iman—. Pero su adicción al trabajo se tomaría la revancha. En enero de 2003, tras unas pocas semanas de vacaciones con su familia, entre Navidad y año nuevo, se refugió junto a un puñado de fieles músicos en el pequeño estudio B de los estudios Looking Glass con la idea de empezar a grabar su álbum Reality. Tony Visconti lo coproduciría. El grupo también grabaría en el apartamento de David e Iman en SoHo, y en la casa que el pianista Mike Garson tenía en Bell Canyon, Ventura County, California; un majestuoso santuario rodeado de bosques con venados,
coyotes y gran cantidad de pájaros poco comunes. Era una alusión a la experiencia en los estudios Allaire.
Sin embargo, Reality está lleno de pistas que dan a entender que el disco fue creado en un relativo confinamiento, en gran medida en la ciudad. El amplio espectro y el espacio de su predecesor están claramente ausentes. Pero lo que le falta en extensión, lo compensa con humor, detalle y un pesimismo que mueve a la reflexión. En sus intentos por explicar el disco Reality, David habló de la idea de realidad como algo que se había transformado en «una abstracción para muchísima gente a lo largo de los últimos veinte años (…). Algunas cosas que entendían como verdades simplemente se desvanecieron, y casi se podría decir que ahora nuestra forma de pensar es posfilosófica. Ya no hay nada en lo que creer».
Libros sobre Bowie en el blog:
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Bowie is a fascinating example of the lifelong power of youth training in musical taste, says the doctor, as those who grew up in the 1970s connect with the characters of Ziggy Stardust, Aladdin Sane and The Thin White Duke, while that teenagers of the eighties throw more into the Let’s Dance era. The disconnection between both generations is total, beyond the fact that they share the same artist.
“The highlight of Bowie is that he was always one step ahead. Nothing that is said about him today would have taken good old David by surprise. He is always on the lookout. Never disconnected. He was absolutely iconic – in the same way as Lennon. If he kept moving forward it is because he took risks.
The wonderful thing about David is that he never aspired to be Bob Dylan, or anyone else, Hancock explains.
“He realized, from a very early age, that the only thing to aspire to is to be yourself. He knew that striving to be someone else, trying to climb the capitalist tower and getting rich and famous because he was not the answer.
January 10, 2016: Today, David Bowie has passed away peacefully, surrounded by his family, after a valiant battle with cancer that lasted for eighteen months. While we know that many of you share the grief over the loss of him, we ask that you respect the intimacy of the family during the present period of mourning.
This started out with promise. A biography of this kind requires a great deal of research, and Jones does well with perspectives from his friends and collaborators, but the story has gaping holes, and it’s not from lack of space, which she too frequently uses to focus on her occasional acquaintance with DB over the years. It’s awkward and detracts from the worthy aspects of the whole. The author’s place in the story should be parked in the foreword. It’s not a terrible book by any stretch, just a missed opportunity.
Generally good, but I didn’t like how sycophantic the author gets even when discussing Bowie’s darker, exploitative, more destructive or self-destructive moments. I didn’t like that she’s trying to set him as a gay icon just because he claimed to be gay as a fad, which isn’t exactly respectful, or she’s trying to make excuses because he is a «genius» when he abuses his wife because of drugs or when he fires people on a whim. I also disliked how much she sidetracks into her own life even when it does not relate.
We saw David Bowie perform «Starman» in Top of the Pops on July 6, 1972, of course! … However, it cannot be said that he particularly captivated us. Although it is commonplace to consider that particular appearance as his definitive performance, a turning point for pop music, the exact moment when the whole world changed …, in us, the truth, the impact was not so big. It was because that performance of «Starman» for Top of the Pops, with Bowie and his guitarist, Mick Ronson, getting close to each other just five years after homosexuality among men over twenty-one was decriminalized, something about what volumes and more volumes had been written was not «the first.»
David was our epiphany. People like him did not exist in the rigid, squared world where everything is placed where it belongs. Had it been discovered that it did indeed come from a parallel universe, I doubt if my surprise would have been greater. He was twenty-three years old, still a boy, and had already married. Deadly, flawed, a puny hustler, yet apparently with a special charm. He was quite friendly. A bit indifferent. He liked posing and showing off. Let’s say that his attitude came to say something like: «Look at me.» He would cross his arms and gossip with laughter, his lips poking and puffing out over and over again as if he had just put on lipstick. He plucked his cuticles, straightened his hair, blinked, bent his knees. Maybe he was posing like any of us, like a clumsy fifteen-year-old. Putting ourselves to the test, seeing what extravagances to steal from us.
He seemed slightly «off»; a «bird of paradise with a broken wing» …
After the anthological interview of the music writer Michael Watts, published in Melody Maker on January 22, 1972, in which our hero threw the house out the window by «confessing»: «I am gay and always have been, even when I was David Jones’, Bowie became an easy target. It was exactly what he wanted and what he had caused. In the media, what was carried was to exaggerate everything related to him beyond a reasonable doubt. Portraying him as a sex nut and a very old drug addict. Putting never-said (and sometimes unspeakable) words in his mouth. Whatever it was, everything was worth it. He became a superstar and fell in love with himself, just like he did with half the world’s population.
Millions of people adored him. Most never got around to it. Having experienced the Bowie phenomenon first hand and in such a personal way still has an aura of unreal. I will always wonder about those hours spent in London, Paris, Montreux, Birmingham, Rotterdam and New York with that lost, tormented, serene and instinctive soul. He lurched like we all do. But he opened paths never before walked in as much as he was able to distill the essence of life and the mysteries of the universe. His ability to express it was unmatched, and he managed to change us all.
David never revealed any bad memories about his brief stint at Stockwell Elementary School. The reason for his departure just a year later was the discontent of his mother. A poorly funded «school» in a depressed area was a far cry from what she wanted for her third child, the boy in whom she had pinned her hopes for almost everything else. Peggy cherished the dream of returning to her beloved Garden of England, that is, to the county of Kent where she was born, where they could reinvent themselves as a respectable middle-class family and where David would have the freedom to grow and develop in a small and beautiful village school. Although her husband never expressed any longing to return to her native Yorkshire, it was said that he much preferred the bustle of Brixton and its proximity to the capital.
David discovered the saxophone. He would later claim to have been inspired in many ways by Little Richard’s backing band, a series of obscure American musicians, and by Beat generation poets and authors like Kerouac. Whoever he was or whatever it was that spurred his interest, the fact is that his father was on the alert. And so Christmas Day dawned with a white Grafton acrylic sax with gleaming gold keys under the tree. It was for David.
What motivated David to prefer the saxophone to the guitar or, for example, to the piano?
«It is the easiest instrument to play,» explains the renowned musician and orchestrator John Altman, an expert in the field after having played with everyone: from Little Richard, Jimi Hendrix, Bob Marley and Eric Clapton to Tina Turner, Rod Stewart or Fleetwood Mac. And also, twice, with Bowie.
“It is one of the few instruments with which it is possible to acquire reasonably good dexterity in a very short time. Despite the different tones and timbres, all saxophones are struck the same. The same does not happen with the trumpet, which only has three pistons; or with the trombone, for which one must move the arm; or with the violin, which involves a high degree of conjecture and interpretation. The saxophone, on the other hand, does not present major complications. You take the mouthpiece to your mouth and blow. Then you move your fingers and the different notes are sounding.
David was obsessed with his career. He would be able to do literally anything to get what he wanted. In that sense, he would say he was relentless. He had great appeal, to both men and women, and he knew it. He wouldn’t openly play on the issue of bisexuality until the MainMan days. He looked at himself in the mirror a lot — much more than I did. He paid great care to his appearance and the impression he could give.
«I don’t remember an iota of ugliness, squalor, or decadence. It was what it was.
Despite the success of «Space Oddity», it would be more than two years before David achieved another hit in the UK. «The Prettiest Star» and «London Bye Ta Ta», recorded in January 1970, aspired to take over. The leader of T. Rex was the guitarist of the first of these two songs, which was chosen to be released on March 6, 1970 with the idea that it would be a sure success (three years later they would return to him for the album Aladdin Sane, this time without Marc). On the other hand, Bolan’s grand yet fleeting reign had not yet begun. His rival’s first hit, «Ride a White Swan», would not go on sale until October of that year, and it was not until eleven weeks later that it would not manage to rise to second place on the charts, on January 23, 1971. From the material The remainder they were to record together, «The Prettiest Star» was the only Bolan-Bowie track to be released. It was the photographer Mick Rock, now world famous for his work with Bowie, Syd Barrett, Queen and others, who described Bolan as «Messiah Bowie’s John the Baptist.» It was good, but it was a bit more complicated than that.
George Orwell’s work served as the basis for the 1974 concept album Diamond Dogs. The post-apocalyptic work had been intended as a musical theater adaptation of the 1984 novel, but Orwell’s widow, Sonia Brownell, refused to grant the rights to David. The fierce and chaotic protopunk record has a heavy Rolling Stones feel to it. The track «Sweet Thing» marks David’s first attempt at what has often been called «the William S. Burroughs cut-up technique.» The implementation, which David described as «a kind of Western tarot,» and which he used for a quarter of a century, both as a compositional tool and as a source of inspiration, actually goes backwards. until the Dadaists of the 1920s.
Ziggy Stardust might turn David into a star, but the result would prove Frankensteinian. After overshadowing his creator once he was completely outlined, Ziggy ate Bowie and could even destroy him if David had not decided to kill him, just after doing the same with his arachnid, the Spiders. The closest are invariably the last to notice.
By 1973, Bowie knew himself to be golden. The stardom that he had sought overnight and that had taken ten years, was already there; David, now, had given everyone of his: he was a superstar on both sides of the Atlantic, revered as an idol among teenagers, revered as a rock star, a desired type as a bisexual sex symbol, acclaimed in his philosophical condition of light that guides the way. His’ Ziggy as messiah ‘pose ran as John Lennon claimed in 1966:’ We are now more popular than Jesus Christ. I don’t know which comes first, rock and roll or Christianity.
David’s stay in Germany is another stage in his complicated life that has been affected by the distortion of mythology. In fact, he did not go to the Wall for three years to create the so-called «Berlin Trilogy», as the records Low, Heroes and Lodger have come to be known. The first of these three albums was partially recorded in France, at the Château d’Hérouville, in compliance with a contractual clause. David recorded his latest album, The Idiot, hand-in-hand with Iggy Pop in the palace in March 1976, and sessions for Low began in August. The record was finished at the Hansa studios in Berlin. Carlos Alomar joined the team, as did Brian Eno.3 Regardless of how and where the professional David and the private David ended up, the truth is that his years living in Berlin were very symbolic.
«I looked into the calamitous abyss of drug use too many times, which was essential as soon as it made me react,» David told Uncut. “For many years, Berlin had attracted me because of its last refuge. It was one of the few cities where I could move completely anonymously. He was very badly off money; life there was cheap. For some reason, Berliners just didn’t care. Well, at least that was the case with an English rock singer. »
David’s thirteenth studio album, to be finished at The Record Plant in New York, combined travel themes with issues such as civilization, nuclear war and abusive relationships in a provocative and exhilarating fusion of world music. It contained the hit «Boys Keep Swinging,» for which guitarist Alomar took on drums and in which Visconti and Brian Eno are credited as musicians. Nor is it that it caused a sensation at the time of its launch, in May 1979 (not everything was going to be successes for David), but over time it was gaining followers. Today is a well-loved track, and rightly so, as it exemplifies his growing maturity while showing the most devious Bowie.
The tour moved Down Under, to Australia and New Zealand, to offer his first concert there. In Sydney, David finally learned to swim. He headed east to triumphantly return to Japan and close at the NHK concert hall in Tokyo on December 12. Ziggy was resurrected in all his splendor. He resurfaced like the phoenix. Japan was still a guarantee of success.
The feeling persists that everything went downhill for Bowie from then on. The great classic themes of his, the songs that we all like and we all love, were left behind. He would have yet a handful of new albums to come out, three of which would reach number one: Black Tie White Noise (1993), The Next Day (2013) and David’s parting gift, Blackstar (2016); a video strutting alongside Jagger featuring his number one hit «Dancing in the Street»; a stellar moment at the Live Aid concert …
As disappointed as fans of him might be, this was a fresh, clean, settled, serene, and reborn version of the ’90s Bowie. Would his music be up to par? To begin with, yes. The so-called «wedding album,» Black Tie White Noise, was produced by Nile Rodgers and created at Mountain Studios. It appeared under a new record label, Savage, and debuted at number one. Both the album and the company had a short-lived life. Regarding this series of songs, there was a feeling that they were like a cork board that was too full; too many images, not enough thumbtacks, too many themes, reflections and influences. It contained the songs for the late Terry, specifically the dazzling «Jump They Say.» Here is a new dose of nostalgia, a look back at a time when everything could still be expected.
David had given up hard drugs, tobacco, and alcohol — the days he quit had been the best of his life, he said, after meeting Iman. But his addiction to his work would take its revenge. In January 2003, after a few weeks of vacation with his family, between Christmas and New Years, he took refuge with a handful of faithful musicians in the small studio B of the Looking Glass studios with the idea of beginning to record his album Reality. . Tony Visconti would co-produce it. The group would also record at David and Iman’s apartment in SoHo, and at the house that pianist Mike Garson had in Bell Canyon, Ventura County, California; a majestic sanctuary surrounded by forests with deer,
coyotes and lots of rare birds. It was an allusion to the experience at the Allaire studios.
However, Reality is full of clues that hint that the album was created in relative confinement, largely in the city. The broad spectrum and space of its predecessor are clearly absent. But what it lacks in length, it makes up for with humor, detail and a reflective pessimism. In his attempts to explain the Reality album, David spoke of the idea of reality as something that had become “an abstraction for a great many people over the last twenty years (…). Some things that were understood as truths just faded away, and you could almost say that now our way of thinking is post-philosophical. There is nothing to believe in anymore.
Books about Bowie at blog:
David, earth planet , knopfler and a humble man 