Anatomía De La Canción: Historia Oral De 45 Temas Que Transformaron El Rock, El R&B Y El Pop — Marc Myers / Anatomy of a Song: The Oral History of 45 Iconic Hits That Changed Rock, R&B and Pop by Marc Myers

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Todos mis amigos tenían tocadiscos que escuchamos los vinilos de 45 rpm que solíamos comprar con nuestras concesiones. Algunos de mis amigos habían tenido suerte ya que sus padres les dieron dinero para comprar sus discos cada vez que una canción se volvía muy popular. Nunca hubo una fiesta donde no se tocaran discos, a veces una y otra vez. Solíamos apilar tantos registros como podíamos para no tener que cambiar los registros por nuestra cuenta. Los comensales tenían uno pequeño en todos los puestos que tenían, y si tenían suerte, sus padres pagarían por las selecciones de sus canciones.
A todos nos encantó escuchar las canciones de las eras «Rock ‘n Roll» y «Pop», etc., nunca nos interesamos si había una razón de por qué los cantantes decidieron escribir sus canciones. Aunque las épocas de esta música han muerto, nunca hemos sacado la música de nuestra sangre. Por eso estamos todavía nostálgicos de ellos hoy, y por eso, incluso como adultos, siempre estamos buscando la oportunidad de ver a nuestros artistas favoritos en vivo. Y junto con esta nostalgia viene el interés de saber si hubo alguna razón para alguna de las canciones que un artista específico destaca por su canto.
La única forma de descubrir qué había provocado la creación de las canciones que nos habían encantado es hablar con los involucrados, que es precisamente lo que Marc Myers ha hecho aquí. Al entrevistar a estos individuos [los que siguen con vida], el autor nos recuerda sus eventos y las décadas de canciones que el autor ha incluido en este maravilloso compendio de las canciones que todos amamos escuchar mientras crecíamos, canciones que todavía nos encantan escuchar hoy.
Si hay una canción que personificara todas las canciones y artistas de este libro, sería la canción de Barry Manilow I escribo las canciones:
He estado vivo para siempre
Y escribí la primera canción
Puse las palabras y las melodías juntas
Soy música y escribo las canciones

Esta es la razón por la que me encantaron los esfuerzos de Marc Myers para compilar este compendio de los orígenes de cada una de las canciones que incluyó aquí. Algunos de nosotros podríamos estar familiarizados con las canciones incluidas en este libro, ya que provienen de una columna, del mismo nombre, que el autor escribió para el Wall Street Journal [2011 – 2016]. Debe haber sido una tarea monumental para el autor seleccionar las 45 canciones que ha incluido de todas las que ha escrito; quizás si tenemos suerte podríamos ver un segundo libro que cubre canciones adicionales, canciones que hemos escuchado y de las cuales nos encantaría saber los orígenes de.
Por traer recuerdos de nuestros días más jóvenes y por iluminarnos en cuanto a los orígenes de estas canciones.

Si lees The Wall Street Journal, puedes reconocer muchos de los capítulos de este libro, ya que son columnas de «Anatomía de una canción» de Marc Myers, publicadas entre 2012-2016. Sé que he leído algunos de ellos antes, y, como de costumbre, prefiero leer las columnas de los periódicos individualmente en los periódicos, en lugar de leerlos en un libro. Simplemente parecen más especiales solos en el periódico. (Por supuesto, a veces la razón para eso es que no hay nada más particularmente interesante en el periódico de ese día). Sin embargo, para aquellos que se perdieron las columnas o quisieran una copia más permanente de ellos, este libro es para ustedes. Lo que el Sr. Myers hace es tomar una canción y entrevistas a varias personas asociadas con ella: cantantes, compositores, miembros de la banda, etc. ¿Qué canciones hay en el libro? Aquí vamos:

1) Lawdy Miss Clawdy by Lloyd Price
2) K. C. Loving by Little Willie Littlefield
3) Shout by The Isley Brothers
4) Please Mr. Postman by The Marvelettes
5) Runaround Sue by Dion DiMucci
6) Chapel of Love by the Dixie Cups
7) You Really Got Me by the Kinks
8) You’ve Lost That Lovin’ Feeling by the Righteous Brothers
9) My Girl by The Temptations
10) Reach Out I’ll Be There by the Four Tops
11) Darling Be Home Soon by John Sebastian
12) Light My Fire by The Doors
13) White Rabbit by Jefferson Airplane
14) Groovin’ by the Young Rascals
15) Different Drum by the Stone Poneys
16) (Sittin’ on) The Dock of the Bay by Otis Redding
17) Fist City by Loretta Lynn
18) Street Fighting Man by the Rolling Stones
19) Stand by Your Man by Tammy Wynette
20) Magic Carpet Ride by Steppenwolf
21) Proud Mary by Creedence Clearwater Revival
22) Oh Happy Day by The Edwin Hawkins Singers
23) Suspicious Minds by Elvis Presley
24) Whole Lotta Love by Led Zeppelin
25) Mercedes Benz by Janis Joplin
26) Moonlight Mile by the Rolling Stones
27) Maggie May by Rod Stewart
28) Carey by Joni Mitchell
29) Respect Yourself by The Staple Singers
30) The Harder They Come by Jimmy Cliff
31) Midnight Train To Georgia by Gladys Knight And The Pips
32) Ramblin’ Man by The Allman Brothers
33) Rock The Boat by The Hues Corporation
34) Walk This Way by Aerosmith
35) Love’s In Need Of Love Today by Stevie Wonder
36) Deacon Blues by Steely Dan
37) (The Angels Wanna Wear My) Red Shoes by Elvis Costello
38) Heart of Glass by Blondie
39) Another Brick In the Wall by Pink Floyd
40) London Calling by the Clash
41) Brother John/Iko Iko by the Neville Brothers
42) Big City by Merle Haggard
43) Time After Time by Cyndi Lauper
44) Nick Of Time by Bonnie Raitt
45) Losing My Religion by R.E.M.

Hay algo que decir acerca de la honestidad cuando se explica el proceso creativo. Lo que para la mayoría es una confluencia milagrosa de talento y suerte a menudo es solo una intersección entre eso y un trabajo muy, muy duro. Construir una canción es como construir cualquier otra cosa; toma tiempo y abundancia de materiales, inspiración y sudor. Crear una canción icónica que represente un momento y lugar para millones de personas es un fenómeno en sí mismo. Anatomía de una canción por Marc Myers es un compendio convincente de charlas en la trastienda que entusiasmarán incluso al geek más informal de la música.
Al igual que una estación de radio clásica (una raza en extinción), anatomía de una canción te lleva en un viaje hacia la infancia o la infancia de tus padres, en un tiempo y lugar que ya no existe de la misma manera, pero se realiza plenamente en una serie de notas que recuerdan al oyente el poder de la música para capturar y mejorar la vida en general. Para aquellos de nosotros que crecimos antes de la radio FM, escuchar «Penny Lane» por primera vez saliendo de los altavoces del coche, para aquellos de nosotros que nunca hemos escuchado música sin descargarla primero en un dispositivo, Anatomía de una canción es un paseo divertido y emocionante.
«Street Fighting Man» de The Rolling Stones es explicado explícitamente por Keith Richards. Cómo ese famoso riff llegó a ser no solo increíble sino hilarante cuando fue discutido por el loco músico. «Respect Yourself» de The Staple Singers recibe el trato honesto por parte de la única y única Mavis Staples; sus improvisaciones durante esa canción la convierten en una de sus grabaciones más memorables. «Deacon Blues» de Steely Dan, del apuesto álbum de Aja, aprendemos, se formaron juntas como un conjunto de jazz, una pieza a la vez, y sin embargo, toda la canción es una onda coherente de sonido que todavía parece fresca. de un altavoz de radio. ¿Sabías que Elvis Costello grabó «Red Shoes» para «My Aim is True» y luego se conectó con Clover, una banda estadounidense que incluía un «Power of Love» antes de «Huey Lewis»?
Si eres un gran fanático de la música, este libro se convertirá en una especie de enciclopedia a la que volverás una y otra vez. Dado que este es el día del grito de 144 caracteres, las historias orales se mantienen cortas y dulces, y atraerán tanto a las generaciones mayores como a las más jóvenes. Myers ha seleccionado una fascinante serie de canciones para explorar, representando diferentes tiempos y géneros en igual medida. El hecho de que la mayoría de las superestrellas que escribieron estas canciones contribuyeron al libro (todos, desde Mick Jones a Mick Jagger y Linda Ronstadt y Joni Mitchell) habla de la alta calidad de la información que contiene.
Anatomía de una canción es un gran paquete de iniciación para su nuevo fanático de la música, el que está dispuesto a echar un vistazo al mundo melódico antes de que la tecnología se haga cargo de su distribución. ¡Tome una copia durante la temporada de vacaciones y convierta la Navidad en una fiesta de escucha y aprendizaje! Arranca el registro de yule y disfruta del botín de nuestro patrimonio musical.

The Kinks apareció en los años sesenta como parte de la Invasión británica y su sonido era de crudeza. Cuando llegó el momento de grabar «You Got Me», querían que estuviera sucio como si lo hicieran en vivo, no limpio. La compañía discográfica lo limpió y puso un eco en él. Exigieron que se les permitiera recortarlo y la compañía discográfica les permite si lo pagaron, por lo que pidieron prestado el dinero a su gerente. Cuando Ray Davies escribió la canción, se inspiró en una belleza de cabello color ceniza con una colmena de abejas en un concierto que vio desde el escenario pero no pudo encontrar más adelante. Ella realmente lo atrapó. Para obtener el sonido distorsionado con un efecto de eco, hizo agujeros en el bajo del bajista Pete Quaife con agujas de tejer. El guitarrista Dave Davies compró un amplificador Elpico y usó una navaja de afeitar para cortar el cono de los parlantes del amplificador para obtener un sonido estridente cuando jugaban en los clubes. Dave Davies usó «acordes de barra», presionó tres cuerdas y rasgueó con fuerza y ​​luego movió mis dedos a un lugar diferente en el cuello … tocando las tres notas inferiores … Podría hacerlo y no preocuparme por quintas y sextas y cosas que aún no sabía «. Shel Talmy el productor puso doce micrófonos en lugar de los cuatro habituales en la batería y tres micrófonos en Dave para captar todos los sonidos diferentes. No tenían batería, así que el baterista Bobby Graham se sentó. El secreto de la canción fue el cambio clave de G a A. «El lugar más natural y melódico para la canción fue de G a C o D. Pero Quería que fuera A, que era bastante revolucionario entonces. Hay algo en ese paso completo que se siente como aceleración y aumenta el nivel de emoción. La progresión en realidad me hizo estremecer cuando originalmente se me ocurrió «. Él nunca volvió a ver a esa chica, pero le gusta pensar que ella sabe que la canción es sobre ella.
Si bien Steppenwolf no fue el primero en utilizar la distorsión y los comentarios en un álbum, fueron los primeros en llevarlo a un nuevo nivel cuando abrieron «Magic Carpet Ride» con el paso número veintidós. Cuando ingresaron al estudio para grabar su segundo álbum, no tenían suficiente material. Entonces, un día, Mars, el hermano del baterista Jeffy Edmonton, vino a mostrarles una canción que había escrito mientras el bajista Rushton Moreve estaba tonteando con este ritmo alegre con el que había estado jugando. Mars lo escuchó y comenzó a tocar acordes en su guitarra. Cuando el organista Goldy McJohn lo escuchó, comenzó a tocar acordes de órgano. Entonces Jerry también saltó. Los chicos en el stand salieron y dijeron «Hey, sigue haciendo eso. Eso es realmente bueno». Marte sugirió que agregaran un interludio musical para el cual John Kay luego escribió la letra «Cierra los ojos, niña / Mira dentro de la niña / Deja que el sonido te lleve». Michael Monarch, el guitarrista principal, adoraba los sonidos distorsionados de la guitarra. Kay le dijo a Monarch que «cada vez que escucho algo que se acerca a una nota lo contrastaré con una sola nota aguda en mi guitarra. Serán estos sonidos de sonido lento que son lo contrario de lo que harás». Ahora tenían un riff y un colapso, pero sin apertura. Monarch lo arregló entrando y sujetando su guitarra a su amplificador por veinte segundos y doblando las cuerdas y golpeando las cuerdas con fuerza. La segunda vez que lo hizo, golpeó la cuerda rápidamente contra la camioneta. Ellos mezclaron los dos y ese es el sonido que escuchas. Ahora para la letra. Kay estaba obteniendo dinero del primer álbum por lo que él y su novia acababan de comprar este increíble estéreo que ocupaba la mayor parte de la sala de estar. Cuando Kay se llevó a casa la cinta para escucharla en casa y escribir las letras, las primeras que se le vinieron a la cabeza fueron: «Me gusta soñar / Sí, sí, justo entre mi máquina de sonido / En una nube de sonido, me desvío en el noche / Cualquier lugar al que vaya tiene razón / Va lejos, vuela cerca, a las estrellas lejos de aquí «. Los rumores de que estaba en ácido son falsos. Pudo haber fumado un poco de hierba, pero Kay tiene acromatopsia. Lo que significa que es completamente daltónico. Cualquier viaje ácido que hiciera sería en blanco y negro completo, un viaje bastante aburrido, que no le habría ayudado mucho ni a él ni a la canción.
El 8 de agosto de 1970, Janis Joplin no quiso presentarse en Port Chester, Nueva York. Ella no pensó que la audiencia obtendría su música. Su amigo Bob Neuwirth estaba con ella y, para darle una agradable sorpresa, invitó a Rip Torn y a su esposa, Geraldine Page, a quien realmente le gustaba. Mientras estaban sentados en un bar bebiendo y hablando esperando que Janis continuara, Janis exclama: «Oh, Señor, no me comprarás un Mercedes-Benz». Era parte de una letra que ella recordaba a medias por Michael McClure y se le quedó grabada. Muy pronto se le ocurre una letra para acompañarla y Bob los escribe en servilletas e inserta las palabras él mismo, incluida la parte de comprarme una noche en la ciudad y otra ronda. Pensó que solo estaban presumiendo por Rip y Geraldine. Cuando Janis continuó, cantó dos canciones y luego decidió cantar su nueva canción, lo que fue una sorpresa para su banda The Full Tilt Boogie, que trató de mantenerse al día considerando que no había una clave para la canción. En esta versión y en el concierto de Harvard Stadium después, ella no usa la línea «Marcación por dólares». Eso fue agregado en una fecha posterior. Llamó a McClure para avisarle que estaba interpretando su canción y dijo que estaba bien. El 1 de octubre de 1970, entró en el estudio para grabar Pearl cuando algo le sucedió a la grabadora. Todo parado. Como el productor, Paul Rothchild trató de arreglarlo, la banda se estaba aburriendo. Janis todavía estaba en la cabina vocal y para matar el tiempo comenzó a cantar «Mercedes Benz». Ella venció el tiempo con su pie. Cuando la canción terminó, ella dijo «Eso es todo» seguido de un cacareo. El problema fue con una grabadora de dos pulgadas que necesitaba reajustarse. Sin embargo, Paul siempre tenía un carrete de seguridad como respaldo por si ocurría algo entre tomas cuando la grabadora principal estaba apagada. Esta grabadora de seguridad captó «Mercedes Benz». Fue la última canción que grabó. Tres días después murió de una sobredosis de heroína. El resto de la banda trabajó en las canciones para completar las voces del resto de las canciones, pero dejaron «Mercedes Benz» como estaba. Neuwirth todavía tiene esas servilletas de cóctel en su casa en alguna parte.
Cuando Cyndi Lauper estaba armando su álbum She’s So Unusual, necesitaba una canción más para el álbum, así que ella y el tecladista Rob Hyman entraron al estudio para escribir una. Lauper estaba hojeando una Guía de TV y vio el título de una película de ciencia ficción llamada Time After Time y decidió usar eso como un título de marcador de posición para la canción para darle algo de inspiración. Hyman comenzó a tocar una pieza melódica repetitiva de cuatro acordes que tenían un ritmo de reggae hinchable y cantaban «una y otra vez». Esto se convertiría en el coro. Empezó a jugar rápido. Lauper comenzó a bailar alrededor del estudio, lo que la ayuda a descifrar una canción. «Comencé a pensar en arriba y abajo, perdido y encontrado:» Si caes, te agarraré, estaré esperando / Una y otra vez «y» Si estás perdido, puedes mirar y me encontrarás / Una y otra vez » . «Las palabras sonaron extrañas al principio, pero cuando las canté, me di cuenta de que lo que estaba hablando eran pedazos de mi vida personal. Hyman podía ver que esto se estaba convirtiendo en una canción más oscura y aminoró pero mantuvo el tipo de calicó recortado Los dos habían estado pasando por problemas de relación y salió en la canción. La parte sobre el «tic del reloj / y pienso en ti» vino de un reloj favorito que Lauper tenía que su novio y gerente, Dave Wolff había golpeado Se llevó un reloj de la casa de su madre que era molesto y tan fuerte que incluso cuando lo puso en la bañera aún se podía oír el tictac. La parte sobre «la segunda mano se desenrolla» vino del productor Rick Chertoff. Su reloj de alguna manera se desmagnetizó y la manecilla de los segundos comenzó a retroceder y él sai d: «Mira, mira, mi segunda mano se está desenrollando.» Hyman conectó su sintetizador Roland Juno-60 al tablero y agregó una caja de ritmos y los tambores reales se agregaron más tarde. Eric Brazilan fue quien estuvo a cargo de la programación de batería y también agregó un poco más de guitarra. Una cosa que quizás no note es que no hay graves hasta el estribillo y se agrega allí para darle un poco de impulso a la canción. La repetición de Lauper de «una y otra vez» como un susurro que se desvanecía era una casualidad. «Caí en un trance y salí de ahí cantando suavemente. Quería que sonara silencioso, como si mi voz se perdiera en la distancia». El mayor cumplido para ella fue cuando al año siguiente, Miles Davis grabó una versión de esta canción porque su entonces esposa Cicely Tyson había insistido en que escuchara la canción ya que se había enamorado del álbum y luego, él también se había enamorado. con la canción
Estas son solo una muestra de las muchas historias en este libro. En el interior también puedes descubrir cómo John Densmore se inspiró en «The Girl From Ipanema» y basó su ritmo en «Light My Fire» y Jim Morrison tocó el álbum de Frank Sinatra Strangers In the Night en busca de inspiración. O cómo John Fogerty basó la apertura de «Proud Mary» en la Quinta Sinfonía de Beethoven. O cómo «Midnight Train to Georgia» surgió cuando el compositor escuchó que Farrah Fawcett estaba tomando un vuelo de medianoche a Houston. El nombre original de la canción era «Midnight Plane to Houston». La segunda persona que lo grabó lo cambió porque «mi [Cissy Houston] es originaria de Georgia, y no tomaron aviones a Houston ni a ningún otro lugar. Tomaron trenes». Gladys Knight sería la tercera persona en grabar la canción y haría sus propios cambios a la canción. Este libro es un tesoro oculto de estas extrañas gemas. Es fascinante leer el relato real de lo que sucedió de aquellos que realmente estuvieron allí y participaron. Este libro es importante en el sentido de que reduce estas historias antes de que se pierdan para siempre. Un ejemplo de esto es Mere Haggard que está en este libro pero falleció el año pasado. La historia de su canción Big City está aquí abajo y llegó antes de morir.

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All my friends had record players which we listened to the 45 rpm records we used to buy with our allowances. Some of my friends had been lucky as their parents gave them money to buy their records any time a song became very popular. There was never a party where records weren’t played, sometimes over and over again. We used to stack as many records as we could so we wouldn’t have to change the records on our own. Diners had a small one at all of the booths they had, and if you were lucky your parents would pay for your song selections.
We all loved listening to the songs of the “Rock ‘n Roll” and “Pop”, etc. eras, we never became interested if there was a reason as to why the singer[s] decided to write their songs. Even though the eras of this music have died, we’ve never gotten the music out of our blood. Which is why we’re nostalgic about them still today, and why, even as adults, we’re always looking for an opportunity to see our favorite artists live. And along with this nostalgia comes an interest in knowing if there had been a reason for any of the songs a specific artist is noted for singing.
The only way to find out what had brought about the creation of the songs we had loved is to speak to those involved which is precisely what Marc Myers has done here. By interviewing these individuals [those still alive] the author takes us into their minds and the events surrounding the decades of songs the author has included in this marvelous compendium of the songs we all loved listening to as we grew up, songs we still love hearing today.
If there’s song which would epitomize all of the songs and artists in this book it would be Barry Manilow’s song I Write the Songs:
I’ve been alive forever
And I wrote the very first song
I put the words and the melodies together
I am music and I write the songs

This is why I loved Marc Myers efforts in compiling this compendium of the origins of each of the songs he’s included here. Some of us might be familiar with the songs included in this book as they come from a column, of the same name, which the author wrote for the Wall Street Journal [2011 – 2016]. It must have been a monumental task for the author to select the 45 songs he’s included from all those he’s written about; perhaps if we’re lucky we might see a second book covering additional songs, songs we’ve listen to which we’d love to know the origins of.
For bringing back memories of our younger days and for enlightening us as to the origins of these songs.

If you read the The Wall Street Journal, you may recognize many of the chapters in this book, since they are Marc Myers’ «Anatomy of a Song» columns, published from 2012-2016. I know I’ve read some of them before, and, like usual, I prefer reading newspaper columns individually in newspapers, instead of as a collection in a book. They just seem more special all alone in the newspaper. (Of course, sometimes the reason for that is there is nothing else particularly interesting in the paper that day.) For those, however, who missed the columns or would like a more permanent copy of them, this book is for you. What Mr. Myers does is take a song and interviews various people associated with it–singers, songwriters, band members, etc. What songs are in the book? Here we go:

1) Lawdy Miss Clawdy by Lloyd Price
2) K. C. Loving by Little Willie Littlefield
3) Shout by The Isley Brothers
4) Please Mr. Postman by The Marvelettes
5) Runaround Sue by Dion DiMucci
6) Chapel of Love by the Dixie Cups
7) You Really Got Me by the Kinks
8) You’ve Lost That Lovin’ Feeling by the Righteous Brothers
9) My Girl by The Temptations
10) Reach Out I’ll Be There by the Four Tops
11) Darling Be Home Soon by John Sebastian
12) Light My Fire by The Doors
13) White Rabbit by Jefferson Airplane
14) Groovin’ by the Young Rascals
15) Different Drum by the Stone Poneys
16) (Sittin’ on) The Dock of the Bay by Otis Redding
17) Fist City by Loretta Lynn
18) Street Fighting Man by the Rolling Stones
19) Stand by Your Man by Tammy Wynette
20) Magic Carpet Ride by Steppenwolf
21) Proud Mary by Creedence Clearwater Revival
22) Oh Happy Day by The Edwin Hawkins Singers
23) Suspicious Minds by Elvis Presley
24) Whole Lotta Love by Led Zeppelin
25) Mercedes Benz by Janis Joplin
26) Moonlight Mile by the Rolling Stones
27) Maggie May by Rod Stewart
28) Carey by Joni Mitchell
29) Respect Yourself by The Staple Singers
30) The Harder They Come by Jimmy Cliff
31) Midnight Train To Georgia by Gladys Knight And The Pips
32) Ramblin’ Man by The Allman Brothers
33) Rock The Boat by The Hues Corporation
34) Walk This Way by Aerosmith
35) Love’s In Need Of Love Today by Stevie Wonder
36) Deacon Blues by Steely Dan
37) (The Angels Wanna Wear My) Red Shoes by Elvis Costello
38) Heart of Glass by Blondie
39) Another Brick In the Wall by Pink Floyd
40) London Calling by the Clash
41) Brother John/Iko Iko by the Neville Brothers
42) Big City by Merle Haggard
43) Time After Time by Cyndi Lauper
44) Nick Of Time by Bonnie Raitt
45) Losing My Religion by R.E.M.

There’s something to be said for honesty when explaining the creative process. What to most is a miraculous confluence of talent and luck is often just an intersection between that and very, very hard work. Building a song is like building anything else — it takes time and materials galore, inspiration and sweat. Building an iconic song that represents a time and place for millions of people is a phenomenon in and of itself. ANATOMY OF A SONG by Marc Myers is a compelling compendium of behind-the-scenes shop talk that will excite even the most casual music geek.
Like a classic radio station (a dying breed), ANATOMY OF A SONG takes you on a journey, into your childhood or your parents’ childhoods, into a time and place that no longer exists in quite the same way anymore, but is fully realized in a series of notes that remind the listener of the power of music to capture and enhance life in general. For those of us who grew up before FM radio, hearing “Penny Lane” for the first time coming out of the car speakers, to those of us who have never listened to music without downloading it first onto a device, ANATOMY OF A SONG is a fun and exciting ride.
“Street Fighting Man” by The Rolling Stones is explained explicitly by Keith Richards. How that famous riff came to be is not just amazing but hilarious when discussed by the nutty musician himself. The Staple Singers’ “Respect Yourself” gets the full honest treatment by the one and only Mavis Staples; her ad-libs during that song make it one of their most memorable recordings. Steely Dan’s “Deacon Blues” from the provocative Aja album, we learn, was fashioned together like a jazz ensemble — one piece at a time — and yet the whole song is a coherent wave of sound that still seems fresh coming out of a radio speaker. Did you know that Elvis Costello recorded “Red Shoes” for My Aim is True and then hooked up with Clover, an American band that included a pre-“Power of Love” Huey Lewis?
If you are a huge music fan, this book will become something of an encyclopedia that you will come back to time and again. Since this is the day of the 144-character shout-out, the oral histories are kept short and sweet and will appeal to both older and younger generations of fans. Myers has selected a fascinating series of songs to delve into, representing different times and genres in equal measure. The fact that most of the superstars who wrote these songs contributed to the book (everyone from Mick Jones to Mick Jagger to Linda Ronstadt and Joni Mitchell) speaks to the high quality of the information within.
ANATOMY OF A SONG is a great starter pack for your newest music fan, the one who is willing to get a glimpse into the tuneful world prior to technology taking over its distribution. Pick up a copy during the holiday season and turn Christmas into a listening-and-learning party! Crank up the yule log and enjoy the spoils of our musical heritage.

The Kinks came along in the Sixties as part of the British Invasion and their sound was one of rawness. When it came time to record «You Got Me» they wanted it to be dirty like they do it live, not clean. The record company cleaned it up and put an echo on it. They demanded to be allowed to recut it and the record company lets them if they paid for it, so they borrowed the money from their manager. When Ray Davies wrote the song he was inspired by an ash colored hair beauty with a bee hive at a gig who he saw from the stage but couldn’t find later on. She really got him. To get the distorted sound with an echo effect he punched holes in bass player Pete Quaife’s bass with knitting needles. Guitarist Dave Davies had bought an Elpico amp and used a razor to slash the amp’s speaker cone to get a raucous sound for when they played in the clubs. Dave Davies used «bar chords–holding down three strings and strumming hard and then shifting my fingers to a different place on the neck…hitting the bottom three notes…I could do that and not worry about fifths and sixths and things I didn’t know yet.» Shel Talmy the producer put twelve mikes instead of the usual four on the drums and three mikes on Dave to pick up all the different sounds. They didn’t have a drummer so session drummer Bobby Graham sat in. The secret to the song was the key shift from G to A. «The more natural and melodic place for the song to go was from G to C or D. But I wanted it to go to A, which was quite revolutionary then. There’s something about that full step up that feels like acceleration and raises the excitement level. The progression actually made me shudder when I originally came up with it.» He never did see that girl again but he likes to think that she knows the song is about her.
While Steppenwolf wasn’t the first to use distortion and feedback on an album they were the first to take it to a new level when they opened «Magic Carpet Ride» with the twenty-second passage of it. When they went into the studio to record their second album they didn’t have enough stuff. Then one day, Mars, drummer Jeffy Edmonton’s brother came in to show them a song he had written while bassist Rushton Moreve was goofing around with this bouncy beat he’d been playing with. Mars heard it and started playing chords on his guitar. When organist Goldy McJohn heard it he started playing organ chords. Then Jerry jumped in too. The guys in the booth stepped out and said «Hey, keep doing that. That’s really good.» Mars suggested they add a musical interlude for which John Kay later wrote the lyrics «Close your eyes, girl/Look inside girl/Let the sound take you away.» Michael Monarch the lead guitarist loved distorted guitar sounds. Kay told Monarch that «whenever I hear something approaching a note I’ll contrast that with a high-pitched single note on my guitar. They will be these slow-moving pinging sounds that are the opposite of what you’ll be doing.» Now they had a riff and a breakdown but no opening. Monarch fixed that by going in and holding his guitar up to his amp for twenty seconds and bending the strings and hitting the strings hard. The second time he did it he hit the string rapidly against the pickup. They mixed the two and that’s the sound you hear. Now for the lyrics. Kay was just getting royalty money from the first album so he and his girlfriend had just bought this incredible stereo that took up most of the living room. When Kay took home the tape to listen to it at home and write the lyrics the first ones to come to his head were «I like to dream/ Yes-yes, right between my sound machine/On a cloud of sound I drift in the night/Any place it goes is right/Goes far, flies near, to the stars away from here.» The rumors that he was on acid are false. He might have smoked a little grass, but Kay has achromatopsia. Which means he is completely color blind. Any acid trip he took would be in complete black and white–a pretty boring trip, which wouldn’t have helped him or the song much.
On August 8, 1970, Janis Joplin didn’t want to be performing in Port Chester, New York. She didn’t think the audience would get her music. Her friend Bob Neuwirth was with her and to give her a pleasant surprise he invited Rip Torn and his wife Geraldine Page whom she really liked. While they were sitting in a bar drinking and talking waiting for Janis to go on, Janis exclaims «Oh Lord, won’t you buy me a Mercedes-Benz.» It was part of a lyric she half remembered by Michael McClure and it stuck with her. Pretty soon she is coming up with lyrics to go with it and Bob is writing them down on cocktail napkins and inserting words himself, including the part about buying me a night on the town and another round. He thought they were just showing off for Rip and Geraldine. When Janis went on she sang two songs then decided to sing her new song, which was a surprise to her band The Full Tilt Boogie who tried to keep up with her considering there was no key to the song. In this version and in the Harvard Stadium concert later she doesn’t use the «Dialing for Dollars» line. That was added at a later date. She called McClure to let him know that she was performing his song and he said that it was okay. On October 1, 1970, she went into the studio to record Pearl when something happened to the tape recorder. Everything stopped. As the producer, Paul Rothchild tried to fix it the band was getting bored. Janis was still in the vocal booth and to kill time began singing «Mercedes Benz». She beat off the time with her foot. When the song ended she said «That’s it» followed by a cackle. The problem was with a two-inch tape recorder the needed to readjusted. Paul, however, always had a safety reel going as a backup in case something happened in between takes when the main recorder was off. This safety recorder caught «Mercedes Benz». It was the last song she recorded. Three days later she died of a heroin overdose. The rest of the band worked on the songs to fill in the vocals for the rest of the songs but they left «Mercedes Benz» the way it was. Neuwirth still has those cocktail napkins in his house somewhere.
When Cyndi Lauper was putting together her She’s So Unusual album she needed one more song for the album so she and keyboardist Rob Hyman into the studio to write one. Lauper was flipping through a TV Guide and saw the title of a sci-fi film called Time After Time and decided to use that as a placeholder title for the song to give her some inspiration. Hyman began playing a repetitive melodic piece of four chords that had a bouncy reggae beat and they sang «time after time». This would become the chorus. He started off playing it fast. Lauper began dancing around the studio which helps her figure out a song. «I started thinking about up and down, lost and found: «If you fall I will catch you, I will be waiting/Time after time» and «If you’re lost you can look and you will find me/Time after time.» The words sounded odd at first, but when I sang them, I realized that what I was talking about were pieces of my personal life. Hyman could see this was becoming a darker song and slowed it down but kept the clipped calypso-type melody. Both of them had been going through relationship troubles and it came out in the song. The part about the «clock tick/and I think of you» came from a favorite clock Lauper had that her boyfriend and manager, Dave Wolff had knocked over and broken. He brought over a clock from his mother’s house that was annoying and so loud that even when she put it in the bathtub you could still hear it ticking. The part about «the second hand unwinds» came from the producer Rick Chertoff. His watch somehow became demagnetized and the second hand started going backward and he said: «Look, look, my second hand is unwinding.» Hyman plugged his Roland Juno-60 synthesizer to the board and added a drum machine and real drums were added later. Eric Brazilan was the one who was in charge of the drum programming and he also added some guitar later. One thing you may not notice is that there is no bass until the chorus and it is added there to give the song some lift. Lauper’s repeating of «time after time» as a fading whisper was just happenstance. «I had fallen into a trance and came out of it like that singing softly. I wanted it to sound hushed, like my voice was trailing off into the distance.» The biggest compliment to her was when the next year, Miles Davis recorded a version of this song because his then wife Cicely Tyson had insisted he listen to the song as she had fallen in love with the album and then, he too had fallen in love with the song.
These are just a sampling of the many stories in this book. Inside you can also find out about how John Densmore was inspired by «The Girl From Ipanema» and based his rhythm drumming on «Light My Fire» on it and Jim Morrison played Frank Sinatra’s album Strangers In the Night for inspiration. Or how John Fogerty based the opening of «Proud Mary» on Beethoven’s Fifth Symphony. Or how «Midnight Train to Georgia» came about when the songwriter heard that Farrah Fawcett was taking a midnight flight to Houston. The original name of the song was «Midnight Plane to Houston.» The second person to record it changed it because «my [Cissy Houston] people are originally from Georgia, and they didn’t take planes to Houston or anywhere else. They took trains.» Gladys Knight would be the third person to record the song and would make her own changes to the song. This book is a treasure trove of these rare gems. It’s fascinating to read the real account of what happened from those who were really there and involved. This book is important in that it gets these stories down before they are lost forever. One example of this is Mere Haggard who is in this book but passed away last year. The story of his song Big City is down here and gotten before he died.

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