Botticelli — Barbara Deimling / Botticelli by Barbara Deimling

Esta es un magnífica obra sobre el pintor de Florencia que apenas tuvo repercusión en vida más allá de su Florencia natal, pero con los prerafaelistas (s.XIX) adquiriría mucha popularidad más allá de sus cuadros de mujeres de jóvenes gran belleza y la galería Uffizi con su grandioso cuadro “la primavera”. Este libro con detalles de sus cuadros en láminas de calidad hace de este una maravilla.

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi: éste era el nombre oficial del pintor Sandro Botticelli. El nombre de Alessandro se reduciría, con el tiempo, al diminutivo Sandro, mientras que «Botticelli» era el apodo de su hermano mayor, Giovanni, cuya obesidad hizo que se quedara con este mote de «tonelete». El nombre llegaría a adquirir tal carta de naturaleza que acabaría por extenderse a todos los miembros de la familia.
Botticelli nació en Florencia hacia 1444/45. Botticelli se mostró abierto tanto a los logros del Renacimiento, introducidos por Masaccio, como a las tendencias del gótico tardío. Así, aplicó las reglas de la perspectiva central y estudió las esculturas de la Antigüedad, cuyo ideal del cuerpo humano se manifiesta principalmente en sus desnudos. Al mismo tiempo, sin embargo, la gracia y el donaire de sus figuras femeninas revelan la afinidad de Botticelli con las tendencias del gótico tardío. Sin embargo, lejos de reproducir sencillamente la hermosura y el encanto de las figuras en alegres escenas mitológicas y religiosas, sus pinturas tienen un contenido filosófico, político y religioso, que convierte sus cuadros en obras clave para comprender la cultura y la política florentinas en la segunda mitad del siglo XV. Botticelli poseía una extraordinaria capacidad para integrar las ideas de sus clientes en un lenguaje formal correspondiente al contenido del cuadro, por lo que fue uno de los pintores más solicitados de su tiempo.
Después de que Botticelli hubo terminado su formación con Lippi en Prato, hacia 1461, se estableció en Florencia, donde dirigió un taller propio, al menos a partir de 1470. La separación externa de su maestro y su establecimiento en Florencia hicieron al joven artista receptivo para nuevas influencias, que se manifiestan en una mayor dedicación a un lenguaje formal más vigoroso. Para ello, Botticelli sigue a los hermanos Pollaiuolo, Piero y Antonio, que vivían en Florencia, así como a Andrea del Verocchio, maestro de Leonardo da Vinci. Éstos introdujeron valores esculturales en la pintura florentina que, por su fuerte orientación en el arte gótico, no había subrayado las calidades plásticas.

Uno de los retratos más famosos de Botticelli es el de Giuliano de Médici, hermano menor de Lorenzo el Magnífico, quien entonces detentaba el poder sobre Florencia. El significado del retrato no ha sido esclarecido aún en su totalidad.
Botticelli decoró con frescos las paredes de la capilla destinada a la elección del Papa denominada, en honor de su constructor Sixto IV, la «Capilla Sixtina». Sin embargo, su mayor fama la obtendría esta estancia gracias a los posteriores trabajos de Miguel Angel, quien entre 1508 y 1512 realizaría los frescos del techo y la pared tras el altar, bajo Julio II.

Uno de los más conocidos, pero sin duda también el más enigmático y el más discutido, es La Primavera , cuyo significado no ha sido esclarecido completamente aún. Durante mucho tiempo se pensó que había sido pintado para Lorenzo el Magnífico de Médici, quien en aquel entonces dominaba en Florencia. Sin embargo, los últimos análisis contradicen dicha teoría, pues, según un inventario recientemente descubierto, el cuadro se encontraba en el año 1499 en el palacio que tenía en la ciudad de Florencia Lorenzo di Pierfrancesco.
La Primavera representa la llegada y la celebración de la primavera. En el centro de un bosque de naranjos, sobre un prado de flores, aparece Venus, la diosa del amor; y sobre ella, su hijo Amor disparando sus flechas con los ojos vendados. Como señora de este bosque ha retrocedido un poco, como si quisiera dejar pasar el cortejo. La postura y el movimiento de las figuras se repiten en la configuración de los árboles, originándose una unidad armónica entre el hombre y la naturaleza. Los naranjos, rectos, corresponden a las figuras erguidas que se encuentran debajo de ellos, mientras que los laureles del lado derecho, al doblarse, imitan la postura de la ninfa que está huyendo. Por encima de Venus, los naranjos forman un arco semicircular que, como una aureola, rodea a la diosa como fisura central del cuadro.
El cuadro parece tener aún otra significación, más allá de la mera representación de la primavera en el jardín del amor de Venus, ayudando a una comprensión más profunda. Para llegar a entenderlo, hemos de tratar primero otra pintura de Botticelli, Minerva y el centauro, que se encontraba junto con la Primavera en el palacio de Lorenzo di Pierfrancesco. Muestra a Minerva, la diosa de la sabiduría, junto con un centauro. Entre los atributos de Minerva se cuenta la lanza, interpretada por Botticelli como alabarda, y los ramos de olivo, a ella consagrado, que rodean su cuerpo y brazos. Al igual que en la Primavera, tampoco existe ninguna narración mitológica o clásica que trate del encuentro entre Minerva y el centauro y que hubiera podido servir de fuente de inspiración para Botticelli. Y, sin embargo, la escena y su relación con la Primavera proporcionan la clave para comprender su sentido.

De los numerosos estudios de Botticelli, que Vasari cita en el año 1550, se han conservado sólo pocos, si se exceptúan las ilustraciones sobre la obra de Dante. Ahora bien, los pocos bocetos que han llegado hasta nosotros testimonian la alta calidad del arte de dibujar que poseía Botticelli. Llama la atención la riqueza de detalles; el artista utilizó varias técnicas para realizarlos, a fin de lograr el mayor efecto posible. Esto se puede comprobar, por ejemplo, en la Alegoría de la abundancia abajo reproducida; como símbolo lleva un cuerno de la abundancia en su brazo y está acompañada de angelotes que llevan frutas. Su postura y fisionomía recuerdan las figuras de Flora y Venus en la Primavera, por lo que este estudio puede fecharse en la primera mitad de los años 80. La relación con la Primavera puede comprobarse también en el vestido, que coincide con el de las tres Gracias: las figuras están envueltas en vestiduras transparentes, ceñidas al cuerpo, que subrayan sus formas. También el estudio para San Juan Bautista ha de datarse en los años 80.
Sabemos que Botticelli tenía una colección de dibujos de sus composiciones y figuras, que le servía de inspiración para motivos a los que poder recurrir para sus futuros cuadros.

Con sus ansias de experimentar, el pintor renunció a la capa usual de impregnación, pintando directamente sobre la tabla. Simultáneamente, al preparar los colores, utilizó una cantidad desacostumbrada de aceite, con lo que secaron demasiado rápidamente, por lo que no penetraron en la madera. Ambos factores fueron la causa de que las pinturas se desprendieran de su soporte. Los trabajos de restauración duraron 20 años, para fijar las partículas de pintura a su soporte de madera, reparando los lugares donde se había desprendido. Esta obra, que por su mal estado de conservación se había tenido poco en cuenta, ha experimentado una justa revalorización desde su restauración, estando considerada actualmente como una de las obras principales de la fase tardía de Botticelli. (Coronación de la Virgen)
Las últimas obras del artista se caracterizan por una expresividad dramática y un ritmo sereno y cortado de las composiciones. Aquí hay que hacer especial referencia a dos tablas que narran las Historias de Virginia y Lucrecia, dos heroínas de la época romana, cuya vida de virtudes se consideraba como modelos cristianos.
Al acercarse su vida al fin, la fuerza creadora de Botticelli disminuyó con gran rapidez. De creer a su biógrafo Giorgio Vasari, el pintor sufrió durante sus últimos años la enfermedad y la senilidad. Según Vasari, «estaba tan encorvado que necesitaba dos bastones para andar». En mayo de 1510 fallecía Botticelli, a la edad de 65 años, siendo enterrado en el cementerio de Ognissanti, que hoy día ha sido sustituido por edificaciones.

This is a magnificent work on the painter from Florence that hardly had repercussion in life beyond his native Florence, but with the pre-Raphaelites (19th century) he would acquire much popularity beyond his paintings of young women of great beauty and the Uffizi Gallery with his great painting “the spring”. This book with details of his pictures in sheets of quality makes this a marvel.

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi: this was the official name of the painter Sandro Botticelli. The name of Alessandro would be reduced, with time, to the diminutive Sandro, whereas “Botticelli” was the nickname of his older brother, Giovanni, whose obesity caused him to keep this nickname of “Tigre”. The name would come to acquire such a letter of nature that would eventually extend to all members of the family.
Botticelli was born in Florence around 1444/45. Botticelli was open both to the achievements of the Renaissance, introduced by Masaccio, and to the tendencies of late Gothic. Thus, he applied the rules of the central perspective and studied the sculptures of Antiquity, whose ideal of the human body is manifested mainly in his nudes. At the same time, however, the grace and grace of her female figures reveal Botticelli’s affinity with late Gothic tendencies. However, far from simply reproducing the beauty and charm of the figures in happy mythological and religious scenes, his paintings have a philosophical, political and religious content, which turns his paintings into key works to understand the Florentine culture and politics in the second half of the fifteenth century. Botticelli possessed an extraordinary capacity to integrate the ideas of his clients in a formal language corresponding to the content of the painting, for which he was one of the most requested painters of his time.
After Botticelli had finished his training with Lippi in Prato, around 1461, he settled in Florence, where he directed his own workshop, at least from 1470. The external separation of his teacher and his establishment in Florence made the young artist receptive for new influences, manifested in a greater dedication to a more vigorous formal language. For this, Botticelli follows the brothers Pollaiuolo, Piero and Antonio, who lived in Florence, as well as Andrea del Verocchio, Leonardo da Vinci’s teacher. These introduced sculptural values ​​in Florentine painting that, due to its strong orientation in Gothic art, had not emphasized the plastic qualities.

One of the most famous portraits of Botticelli is that of Giuliano de ‘Medici, younger brother of Lorenzo the Magnificent, who then held the power over Florence. The meaning of the portrait has not yet been clarified in its entirety.
Botticelli decorated with frescoes the walls of the chapel destined to the election of the named Pope, in honor of his constructor Sixto IV, the “Sistine Chapel”. However, its greater fame would obtain this stay thanks to the later works of Miguel Angel, who between 1508 and 1512 would realize the frescos of the ceiling and the wall after the altar, under Julio II.

One of the best known, but certainly also the most enigmatic and the most discussed, is La Primavera, whose meaning has not yet been fully clarified. For a long time it was thought that it had been painted for Lorenzo the Magnificent of Medici, who at that time dominated in Florence. However, the latest analyzes contradict this theory, because, according to a recently discovered inventory, the painting was in the year 1499 in the palace that had in the city of Florence Lorenzo di Pierfrancesco.
Spring represents the arrival and celebration of spring. In the center of an orange grove, on a meadow of flowers, Venus appears, the goddess of love; and above it, his son Amor shooting his arrows blindfolded. As a lady of this forest she has retreated a little, as if she wanted to pass the procession. The posture and the movement of the figures are repeated in the configuration of the trees, giving rise to a harmonious unity between man and nature. The orange trees, straight, correspond to the upright figures that are below them, while the laurels on the right side, when folded, imitate the position of the nymph that is fleeing. Above Venus, the orange trees form a semicircular arch that, like an aureole, surrounds the goddess as the central fissure of the painting.
The picture seems to have yet another meaning, beyond the mere representation of spring in the garden of love of Venus, helping to a deeper understanding. To get to understand it, we must first try another painting by Botticelli, Minerva and the centaur, which was together with Primavera in the palace of Lorenzo di Pierfrancesco. It shows Minerva, the goddess of wisdom, along with a centaur. Among the attributes of Minerva is the spear, interpreted by Botticelli as a halberd, and the olive branches, to her consecrated, that surround her body and arms. As in the Spring, there is no mythological or classic narrative that deals with the encounter between Minerva and the centaur and that could have served as a source of inspiration for Botticelli. And yet, the scene and its relationship with Primavera provide the key to understanding its meaning.

Of the numerous studies of Botticelli, which Vasari cites in the year 1550, only a few have been preserved, except for illustrations of Dante’s work. Now, the few sketches that have reached us testify to the high quality of the art of drawing that Botticelli possessed. The wealth of details is striking; The artist used several techniques to make them, in order to achieve the greatest possible effect. This can be seen, for example, in the Allegory of Abundance reproduced below; as a symbol he wears a cornucopia on his arm and is accompanied by angels that carry fruit. His posture and physiognomy recall the figures of Flora and Venus in the Spring, so this study can be dated in the first half of the 80s. The relationship with Spring can also be seen in the dress, which coincides with the three Thank you: the figures are wrapped in transparent garments, tight to the body, that underline their forms. Also the study for San Juan Bautista has to be dated in the 80s.
We know that Botticelli had a collection of drawings of his compositions and figures, which served as inspiration for reasons to which he could turn for his future paintings.

With his desire to experiment, the painter gave up the usual layer of impregnation, painting directly on the board. Simultaneously, when preparing the colors, he used an unaccustomed amount of oil, which dried too quickly, so they did not penetrate the wood. Both factors caused the paints to come off their support. The restoration work lasted 20 years, to fix the paint particles to its wooden support, repairing the places where it had detached. This work, which due to its poor state of conservation had been little taken into account, has experienced a fair revaluation since its restoration, and is currently considered one of the main works of Botticelli’s late phase. (Coronation of the Virgin)
The last works of the artist are characterized by a dramatic expressiveness and a serene and cut rhythm of the compositions. Here we must make special reference to two tables that tell the Stories of Virginia and Lucrecia, two heroines of the Roman era, whose life of virtue was considered as Christian models.
As his life approached at last, the creative force of Botticelli diminished very quickly. Believing his biographer Giorgio Vasari, the painter suffered illness and senility during his last years. According to Vasari, “he was so stooped that he needed two walking sticks.” In May 1510, Botticelli died at the age of 65. He was buried in the Ognissanti cemetery, which has now been replaced by buildings.

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